Собирая время: Пьер-Кристиан Броше о сохранении современного искусства
Пьер-Кристиан Броше, куратор направления "Современное искусство" в Школе дизайна НИУ ВШЭ, коллекционер и организатор выставок, рассуждает о том, почему сохранение искусства - это не только музейная задача, но и личная ответственность каждого поколения.
Недавно мне понадобилось найти для выставки несколько произведений художников, сформировавших облик российского искусства начала 2000-х. На первый взгляд задача казалась несложной: речь шла о сравнительно недавнем периоде, многие авторы продолжают работать, участвуют в выставочных проектах, а их имена хорошо известны специалистам. Однако поиск быстро превратился в исследование.
Где находятся произведения, созданные в то время? Кто приобрел их в момент появления? Какие работы сохранились в частных собраниях, а какие исчезли из художественного оборота? И, наконец, кто вообще собирал российское современное искусство тогда, когда оно только формировалось?
Эти вопросы имеют принципиальное значение. Сегодня среди ключевых авторов российского искусства 2000-х легко назвать Павла Пепперштейна, Дмитрия Гутова, Алексея Каллиму, Константина Звездочетова, Владимира Дубосарского и Александра Виноградова, AES+F, Юрия Альберта, Сергея Бугаева, Георгия Гурьянова, Аннушку Броше, Владислава Мамышева-Монро, Олега Кулика, "Синие носы", Сергея Шеховцова, Ирину Корину, Ольгу Чернышеву, Валерия Кошлякова, Валерия Чтака, Мишу Most, Кирилла "Кто" Лебедева и многих других.
Но в начале 2000-х все они были прежде всего художниками своего настоящего. Их положение в истории еще не определилось, а значение их работ не казалось очевидным. Именно поэтому коллекционирование современного искусства всегда связано с риском: покупатель имеет дело не с готовой репутацией, а с процессом ее формирования.
Как появляется художественный канон
Каждое поколение коллекционеров сталкивается с одинаковыми вопросами: как выбирать современное искусство, на какие ориентиры опираться и можно ли заранее понять, кто из художников войдет в историю?
До XIX века ответ был относительно понятным. Художественная система опиралась на академии, признанные школы и иерархии. Затем появились импрессионизм, кубизм, дадаизм, сюрреализм и другие направления. У каждого из них существовал собственный язык, вокруг которого объединялись художники, критики, галеристы, коллекционеры и меценаты.
Во второй половине XX века эта модель начала разрушаться. Переломными моментами стали не только знаменитый жест Марселя Дюшана с "Фонтаном" в 1917 году, но и выставка Харальда Зеемана "Когда отношения становятся формой" в 1969-м. Она показала, что современное искусство больше не развивается по принципу последовательной смены школ и движений.
Одновременно могут существовать десятки художественных языков, концепций и способов осмысления реальности. Художник не обязан принадлежать к определенной группе или следовать общей программе. Он способен создавать индивидуальную визуальную систему, которую невозможно полностью описать универсальными правилами.
Поэтому не существует набора объективных признаков, позволяющих заранее определить будущую значимость автора. Однако это не значит, что оценивать искусство невозможно. Критерии просто распределены между разными участниками художественной среды: художниками, кураторами, галереями, музеями, критиками и коллекционерами.
Художественная история складывается из множества решений. Один человек не может окончательно легитимировать художника, но длительное внимание разных профессиональных сообществ постепенно создает устойчивую репутацию. Если автора годами выставляют, обсуждают, приобретают его произведения и включают их в музейные собрания, со временем он становится частью канона.
Уникальный момент 1990-х и начала 2000-х
После распада СССР российское современное искусство оказалось в особой ситуации. В 1990-е и начале 2000-х годов новое поколение художников фактически создавало инфраструктуру заново. Появлялись галереи, независимые институции, кураторские проекты, первые крупные частные собрания.
Тогда произведения многих авторов можно было приобрести за сравнительно небольшие суммы. Это была редкая возможность: человек, интересовавшийся искусством, мог начать собирать значительную коллекцию практически с нуля. Речь шла не о финансовом портфеле, а о собрании, фиксирующем живую культурную эпоху.
Однако российский рынок довольно быстро начал воспринимать искусство преимущественно как инвестиционный инструмент. Вопрос "Сколько будет стоить эта работа через десять лет?" постепенно стал важнее другого: "Что именно она рассказывает о времени, в котором создана?"
Такой подход сужает представление о коллекционировании. Искусство не обязано оправдывать себя будущей стоимостью. Его ценность может заключаться в способности точно передать атмосферу эпохи, зафиксировать общественные перемены, отразить личный опыт художника или предложить новый способ видеть действительность.
Коллекционер как хранитель культуры
Коллекционер инвестирует не только в объект, но и в сохранение культурной памяти. Выбирая произведение, он фактически заявляет, что считает определенный художественный язык важным для своего времени.
Многие музейные собрания начинались с частного выбора. Благодаря коллекционерам сохранились произведения, без которых сегодня невозможно представить историю русского и европейского искусства. Частное собрание способно выполнять роль архива: сохранять не только признанные шедевры, но и спорные, экспериментальные, еще не оцененные работы.
Особенно это важно для современного искусства, которое часто создается из недолговечных материалов. Инсталляции, перформансы, медиа-объекты и цифровые произведения требуют особых условий хранения и подробной документации. Иногда физический объект невозможно сохранить полностью, и тогда архив - фотографии, видео, чертежи, авторские инструкции, описания монтажа - становится не менее значимым, чем сама работа.
Что необходимо сохранять вместе с произведением
Одна из главных ошибок начинающих коллекционеров - воспринимать произведение как самостоятельный предмет, не связанный с историей его создания. Между тем для будущего исследования важны дата, место первой выставки, материалы, техника, авторские комментарии, сведения о владельцах и выставочной судьбе работы.
Для инсталляций необходимо фиксировать способ монтажа, размеры пространства, требования к свету и звуку. Для цифрового искусства - программное обеспечение, формат файлов и особенности воспроизведения. Для перформансов - сценарии, видеозаписи, фотографии, свидетельства участников и зрителей.
Такая документация помогает избежать ситуации, когда произведение формально сохранилось, но утратило первоначальный смысл. В современном искусстве контекст часто является частью работы.
Как подходить к выбору современного искусства
Коллекционеру необязательно обладать специальным образованием, чтобы начать собирать искусство. Гораздо важнее внимательность, любопытство и готовность самостоятельно формировать позицию.
Полезно регулярно посещать выставки, знакомиться с разными художественными практиками, читать тексты о культуре и разговаривать с профессионалами. При этом не стоит полностью передавать выбор экспертам. Совет куратора или галериста может быть важным, но окончательное решение должно отражать личный интерес коллекционера.
Нельзя ограничиваться только именами, которые уже получили признание. Внимание к начинающим авторам помогает увидеть, как формируются новые тенденции. Конечно, такой выбор связан с большей неопределенностью, но именно она делает коллекционирование живым процессом.
Важно также учитывать условия хранения. Произведение должно быть защищено от перепадов температуры, влажности, прямого солнечного света и механических повреждений. Для некоторых объектов требуется профессиональная реставрационная и техническая поддержка.
Почему сохранение - это коллективная работа
Будущее искусства зависит не от одного института и не от одного влиятельного имени. Оно складывается из совместных усилий художников, коллекционеров, кураторов, галерей, музеев, исследователей и зрителей.
Музеи обеспечивают долгосрочное хранение и публичный доступ. Галереи поддерживают художников и помогают произведениям находить своих владельцев. Кураторы создают связи между отдельными работами и историческими процессами. Коллекционеры принимают решения в тот момент, когда окончательная оценка еще невозможна.
Поэтому сохранение современного искусства - это всегда работа с неопределенностью. Нельзя заранее знать, какие произведения окажутся наиболее значимыми. Но можно внимательно относиться к настоящему, фиксировать его разнообразие и не позволять важным художественным высказываниям исчезать из памяти.
Коллекционировать современное искусство - значит собирать не только объекты, но и время. Однажды именно по этим произведениям будущие поколения будут восстанавливать историю сегодняшнего дня.
